É considerada por muitos como a melhor música que John Lennon já escreveu para os Beatles – e essa era uma opinião compartilhada pelo próprio Lennon.
Lennon certa vez descreveu Strawberry Fields Forever como “uma das poucas canções verdadeiras que já escrevi”, acrescentando que, junto com Help!, “elas foram as que eu realmente escrevi a partir da experiência e não me projetando em uma situação e escrevendo uma bela história sobre ela”.
É também um momento marcante no rico catálogo dos Beatles.
Como tudo na carreira exaustivamente registrada dos Beatles, não faltam opiniões sobre quando exatamente John Lennon teve a ideia inicial de Strawberry Fields Forever.
Os fóruns estavam agitados no final de 2024, quando um clipe no documentário dos Beatles ’64 mostrou Lennon em um quarto de hotel em Nova York no auge da Beatlemania tocando o que certamente soa como a melodia de abertura e decrescente de Strawberry Fields Forever – em uma Melodica. Alguns observadores não ficaram convencidos.
O que é bastante certo é que Lennon escreveu a música inteira entre 26 de setembro e 6 de novembro de 1966 na Espanha, durante as filmagens do filme How I Won The War, dirigido por Richard Lester, uma comédia de humor negro na qual Lennon interpreta o infeliz Soldado Gripweed.
No livro de David Sheff de 1980, The Last Major Interview With John Lennon And Yoko Ono, Lennon relembrou a composição de Strawberry Fields Forever: “Estávamos em Almeria”, ele disse, “e levei seis semanas para escrever a música.
“Eu estava escrevendo isso o tempo todo enquanto fazia o filme. E como qualquer um sabe sobre trabalho em filme, há muita espera por aí.
“Tenho uma fita original dela em algum lugar, de como soava antes de se tornar a música psicodélica que se tornou no disco.”
Assim como Penny Lane, escrita por Paul McCartney , Strawberry Fields Forever foi um olhar nostálgico de Lennon sobre sua infância em Liverpool.
Strawberry Field era o nome de um orfanato do Exército da Salvação no subúrbio arborizado de Woolton, em Liverpool, onde Lennon morava desde os cinco anos de idade com sua tia Mimi em ‘Mendips’, 251 Menlove Avenue.
Uma das diversões da infância de Lennon era a festa no jardim realizada todo verão, perto de casa, onde uma banda de metais do Exército da Salvação tocava.
“Havia algo naquele lugar que sempre fascinou John”, disse Mimi no livro de Hunter Davies, The Beatles. “Ele podia ver da janela. Assim que podíamos ouvir a banda do Exército da Salvação começando, John pulava para cima e para baixo gritando: ‘Mimi, vamos. Vamos nos atrasar.'”
Quando Lennon escreveu a música, ela também foi inspirada em suas experiências com LSD.
Na Antologia dos Beatles, Lennon descreveu a canção como “psicanálise transformada em música”.
“O segundo verso diz: ‘Ninguém que eu ache que esteja na minha árvore’”, Lennon disse a David Sheff em 1980. “Bem, o que eu estava tentando dizer naquele verso é: ‘Ninguém parece ser tão descolado quanto eu, portanto devo ser louco ou um gênio’… O que estou dizendo, do meu jeito inseguro, é: ‘Ninguém parece entender de onde estou vindo. Parece que vejo as coisas de uma maneira diferente da maioria das pessoas.’”
Lennon continuou a trabalhar na música em sua casa Kenwood, em Weybridge, Surrey, gravando demos quando retornou das filmagens na Espanha. Ele também incluiu partes tocadas em um mellotron, um instrumento que ele comprou em agosto de 1965.
Em 24 de novembro de 1966, todos os quatro Beatles chegaram ao Studio 2 do EMI Recording Studios [agora chamado Abbey Road Studios] para começar a trabalhar na música. Esta foi a primeira atividade da banda desde que eles completaram sua turnê final pelos EUA em 29 de agosto de 1966.
Para Lennon, que se sentiu vulnerável e incapaz de se conectar com qualquer membro do elenco durante as filmagens de How I Won The War, reunir-se com a banda foi uma revelação.
“Eu nunca fiquei tão feliz em ver os outros”, ele foi citado como tendo dito no livro de Jonathan Gould de 2007, Can’t Buy Me Love: The Beatles, Britain and America. “Vê-los me fez sentir normal novamente.”
Strawberry Fields Forever se tornaria uma das gravações tecnicamente mais complexas que os Beatles já tentaram.
A música foi gravada em oito datas nas últimas semanas de 1966: 24, 28 e 19 de novembro e 8, 9, 15, 21 e 22 de dezembro.
A banda, o produtor George Martin e o engenheiro Geoff Emerick gastariam um tempo sem precedentes de 55 horas de estúdio para finalizar a música.
O Take One de 24 de novembro começou com Lennon tocando a música para a banda em seu violão antes de mudar para seu Epiphone Casino para a gravação.
McCartney tocou o mellotron e escreveu a melodia para esse instrumento na introdução.
Esta tomada começou com um verso em vez do refrão, começando com o verso: “Viver é fácil com os olhos fechados”.
Há uma bela simplicidade nesta versão, com a guitarra slide overdub de George Harrison nos refrãos realmente elevando os vocais de Lennon.
Em 28 de novembro, a banda se reuniu novamente para tentar um arranjo diferente, apresentando a introdução do mellotron de McCartney seguida pelo refrão.
A banda regravou a música novamente em 29 de novembro, usando o mesmo arranjo. Harrison adicionou padrões de acordes de arpejo e o vocal de Lennon foi gravado com a fita rodando rápido, então quando tocou novamente na velocidade normal sua voz estava mais baixa, com um efeito arrastado.
Como sempre, McCartney entrega uma linha de baixo impecavelmente avaliada por baixo do som cristalino das guitarras.
O swarmandal em cascata [harpa indiana] de George Harrison, que introduz o segundo e o terceiro versos, injeta um sabor oriental ao som.
Assim como Dylan, as letras de Lennon transbordam facilmente em estrofes, e as letras aparentemente determinam a forma e a direção da estrutura da música.
Lennon adicionou um segundo vocal sobre o refrão, e as overdubs finais incluíram piano e baixo adicional.
A mixagem subsequente se tornou a Faixa 7 – e o primeiro minuto desta versão seria usado para a versão final lançada da música.
Nesse ponto, Lennon quis tentar algo diferente com a música e pediu ajuda a George Martin.
No livro de Joseph Brennan de 1996, Strawberry Fields Forever: Putting Together The Pieces, Martin disse sobre Lennon: “Ele queria que fosse uma canção suave de sonho, mas disse que tinha saído muito estridente. Ele me perguntou se eu poderia escrever uma nova formação com as cordas. Então eu escrevi uma nova trilha.”
Esta nova partitura utilizou quatro trompetes e três violoncelos.
As sessões para o arranjo de metais e violoncelo de Martin ocorreram em 15 de dezembro.
Entre os músicos estava a violoncelista Joy Hall, a primeira mulher a aparecer em uma música dos Beatles.
As partes de cordas e metais de Martin realçaram o sabor indiano da música.
Como Ian McDonald observou em seu livro de 1994, Revolution In The Head, a composição dos violoncelos feita por Martin “[teceria] exoticamente” em torno das figuras de guitarra “semelhantes a cítaras” de McCartney antes da coda.
À medida que as sessões avançavam, a dublagem e a edição continuaram em ritmo acelerado.
No final de dezembro de 1966, Lennon revisou os acetatos da versão anterior, Take 7, e do novo remake, Take 26.
De acordo com The Complete Beatles Recordings Sessions: The Official Story of the Abbey Road Years 1962-1970, de Mark Lewisohn, Lennon disse a Martin que gostou tanto do take 7 “original e mais leve” quanto da “versão intensa e pontuada” do take 26.
Então, em uma decisão que somente alguém com visão criativa ilimitada, mas sem conhecimento de engenharia, tomaria, Lennon pediu a Martin que simplesmente juntasse as duas versões.
“Há duas coisas contra isso”, respondeu Martin, conforme relatado em The Complete Beatles Recording Sessions, de Mark Lewisohn. “Eles estão em tons e tempos diferentes. Fora isso, tudo bem.”
“Bem”, Lennon teria dito, “você pode consertar isso”.
E foi assim que, em 22 de dezembro de 1966, George Martin e Geoff Emerick estavam sentados na sala de controle do Estúdio 2 do EMI Abbey Road Studios e pensavam em como unir as duas versões.
Armados apenas com uma tesoura de edição, algumas máquinas de fita e um controle varispeed, Emerick e Martin embarcaram em alguns experimentos de tentativa e erro.
Ao acelerar a reprodução das primeiras tomadas e desacelerar a reprodução da segunda, Emerick finalmente conseguiu que elas combinassem tanto no tom quanto no andamento.
O Take 7, que abriu a música, foi mantido em sua tonalidade original de Si bemol maior, enquanto o Take 26, gravado em Dó maior e em um andamento mais rápido, foi desacelerado em 11,5 por cento, o que alinhou os andamentos e tonalidades de ambas as versões.
Eles atenderam ao pedido aparentemente impossível de Lennon, “com a graça de Deus e um pouco de sorte”, disse Martin.
A edição pode ser ouvida na versão finalizada e lançada precisamente aos 60 segundos, imediatamente antes das palavras “going to” no segundo refrão.
A junção das duas versões marcou a conclusão de Strawberry Fields Forever, quase um mês após o início das gravações.
Em 13 de fevereiro de 1967, Strawberry Fields Forever foi lançado como lado A duplo com Penny Lane.
Seguindo a prática usual da banda de não incluir faixas lançadas como singles em álbuns, Strawberry Fields Forever foi omitido de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band , uma decisão que George Martin mais tarde reconheceu ter sido um “erro terrível”.
Strawberry Fields Forever/Penny Lane foi o primeiro single dos Beatles desde Please Please Me, de 1963, a não alcançar o primeiro lugar.
A música alcançou a segunda posição no Reino Unido, sendo afastada do primeiro lugar por Please Release Me, de Englebert Humperdinck.
O escritor musical Peter Doggett observou que o fracasso de Strawberry Fields Forever/Penny Lane em alcançar o primeiro lugar foi “indiscutivelmente a estatística mais vergonhosa da história das paradas”.
Doggett descreveu Strawberry Fields Forever como “o melhor disco pop já feito”, acrescentando que é “um disco que nunca sai de moda, porque vive fora do tempo”.
A impressionante inventividade de Strawberry Fields Forever deixou fãs e críticos perplexos e sem fôlego.
Era o som dos Beatles dando um grande passo criativo.
Nos Estados Unidos, a música marcou o ponto em que os escritores buscaram pela primeira vez elevar o pop a um plano cultural mais alto. Uma matéria de 1967 na revista Time abriu o caminho:
“[Os] Beatles se tornaram a força mais criativa da música pop. Aonde quer que eles vão, o bando os segue. E onde eles foram nos últimos meses, nem mesmo seus apoiadores mais fervorosos jamais teriam sonhado.
“Eles preencheram a lacuna até então intransponível entre o rock e a música clássica, misturando elementos de Bach, música oriental e eletrônica com um toque vintage para alcançar os sons mais originais já ouvidos na música pop.”
